SONG HYUN-SOOK | Peindre comme une ascèse.

Song Hyun-Sook,

est une artiste peintre coréenne, (Corée du Sud, 1952, vit en Allemagne), qui utilise la tempera (jaune d’œuf et pigment) pour faire advenir des œuvres qui se situent entre le minimalisme occidental et une figuration allusive qui se rattache à la tradition des peintres calligraphes asiatiques.

©Song Hyun-Sook. Courtesy Ditesheim & Maffei Fine Art.

En effet, Song Hyun-Sook exécute ses œuvres en un nombre de gestes minimaux à l’instar d’un Chu Ta ou Shitao par exemple.


Elle compare elle même ses tableaux à des Haiku d’où provient cette dimension narrative condensée aussi bien dans les gestes que l’anecdote qui doit se réduire à un moment singulier, une hecciété.
On sent cette tension de l’exécution qui consiste à peintre d’une traite avec un seul coup de brosse ou quelques-uns mais connectés dans la continuité du geste. Les titres des œuvres reflètent cette intention, “One brushstroke”, “Ten brushstrokes”, etc.



A voir à Art Paris Art Fair, édition 2016.
Song Hyun-Sook est également représentée par la galerie Ditesheim & Maffei Fine Art.

©Song Hyun-Sook. Courtesy Ditesheim & Maffei Fine Art.

Extraits d’un entretien de Song Hyun-Sook avec Jacqueline Garwood réalisé en 2012 pour Inside HK.

« It’s not a process where I start and stop. I have to do it in the moment, so I can’t pause. I have to prepare myself to do that. »
« I have to capture the emotion in one moment. »
« It’s the same thing with calligraphy. You have an order to follow when you draw a character. You can say there are 20 strokes, and then you see the character happening from beginning till end. »
« I think more about painting as a science to do research about painting itself; I see myself as a researcher of painting. »

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Voir aussi:

• Art Fair Paris Art Fair, 2016.
• Matt Connors, une abstraction sensuelle.
• Chiharu Shiota

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Crédits:

• ©Song Hyun-Sook
• Courtesy galerie Ditesheim & Maffei Fine Art.

Matt Connors, une abstraction sensuelle !

MATT CONNORS | 

Abstraction et sensualité. Galerie Xavier Hufkens.

 

Matt Connors, ou quand l’abstraction géométrique devient sensuelle.

©Matt Connors. Courtesy Xavier Hufkens.

Matt Connors ,(1973, Chicago), a droit à sa première exposition personnelle à la galerie Xavier Hufkens.

Matt Connors est un peintre américain qui reprend les grands thèmes du Minimalisme et de l’Abstraction Géométrique mais avec la distance rétrospective du post-modernisme jusqu’aux apports de l’ère numérique, plus de néoplatonisme, d’aspect doctrinal ou plus ou moins métaphysique dans la démarche de Matt Connors.

C’est une abstraction des sens, des rapports entre couleurs, formes et transparences avec la légèreté propre à l’âge de la déferlante visuelle.

Les expositions de Matt Connors sont faites de rebonds entre des œuvres qui sont soit purement picturales, soit en volume sous forme d’objets proches du design.

Les séries sur les additions, soustractions, et transparences sont comme des pauses dans le flux des signes. Une pause pourtant sans mysticisme à l’inverse de beaucoup des tenants de l’abstraction, ici l’on est dans une peinture, un art visuel particulièrement sensuel et où l’on est souvent convier à comprendre pourquoi l’œil parait troublé par des aplats qui ne le sont pas et des complémentaires qui donnent de la profondeur.


A voir à la galerie Xavier Hufkens, jusqu’au 23 avril 2016.

MATT CONNORS | « stud/file ».

Galerie Xavier Hufkens, Bruxelles.
Du 12 mars au 23 avril 2016.

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Voir aussi

• Les frères Quistrebert au Palais de Tokyo.
• Günther Förg
• Bustamante
• Cory Archangel

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Crédits:

• ©Matt Connors.
• Courtesy galerie Xavier Hufkens.

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ALBEROLA | Mais avec quoi ça rime ?

 

Alberola, dans sa démarche est un artiste au pied léger qui affleure avec humour et distance le réel.

©Jean-Michel Alberola. Courtesy Palais de Tokyo

Ce qui caractérise le travail d’Alberola, au vu de la rétrospective que lui consacre la Palais de Tokyo, c’est le questionnement avant tout non pas le la Peinture mais du quotidien. Beaucoup des pièces exposées ne sont pas des œuvres autonomes mais autant de maillons d’un entretien intime avec le réel, la vie en société.

©Jean-Michel Alberola. Courtesy Palais de Tokyo

L’œuvre d’Alberola est traversée par la relation au langage et le signifié plus que le sens des choses. L’on entrevoit des jeux de mots et formes qui sont comme les miroirs subtils de moments singuliers.

La forme ici est presque toujours une interrogation en forme de rébus qui est probablement une évocation pudique et détournée de tel ou tel événement privé ou public du moment.



L’œuvre est un donc une sorte de journal qui à travers le dialogue érudit avec les formes picturales, photographiques, cinématographiques ou Pop Art tente de rendre
compte de l’étonnement presque ingénu face à la complexité et la singularité de la vie de l’homme comme “animal politique”.

C’est un autre élément notable chez Alberola, il ne s’agit presque toujours que des humains et de leur environnement matériel et social. Il n’y a pas ou peu de référence à la Nature ou le paysage dans le travail d’Alberola.

©Jean-Michel Alberola. Courtesy Palais de Tokyo

Hormis la période de jeunesse un peu académique, quoique formellement séduisante, le travail d’Alberola s’égrène donc comme un carnet de notes protéiforme. C’est souvent positif, humoristique, léger comme un gai savoir qui refuse de s’appesantir sur la gratuité des choses et au contraire essaie d’y adhérer et d’en rendre compte avec subtilité.
C’est bourré d’intelligence sans pédanterie.
C’est à voir au Palais de Tokyo jusqu’au 16 mai 2016.

©Jean-Michel Alberola. Courtesy Palais de Tokyo

 

JEAN-MICHEL ALBEROLA | L’aventure des détails

Palais de Tokyo
Du 19 février au 16 mais 2016.

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Voir aussi:

• Les frères Quistrebert au Palais de Tokyo
• Bustamante à la gal. Thaddaeus Ropac 

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Crédits:

• ©Jean-Michel Alberola
• Courtesy Palais de Tokyo

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Simon Evans | “Not Not Knocking On Heaven’s Door”

Palais de Tokyo.

Notes de vie.

 

Simon Evans (le nom du duo d’artistes), Simons Evans et Sarah Lankan donc, font de leur quotidien le sujet d’une œuvre sur papier, ou plutôt une œuvre de papier, de notes.

©Simon Evans. Courtesy Palais de Tokyo.

Simon Evans, c’est un duo qui porte un seul nom, une identité à la Janus qui à partir des résidus personnels du quotidien compose des collages.

Ces collages sont comme des murs d’images à la Facebook, des plans qui sont comme autant de labyrinthes des états d’esprit ou encore des To Do List et des » Mandala » idiosyncrasiques.



Il y aussi des mosaïques composées avec des notes passées au broyeur avec lesquelles les deux artistes, ou l’entité Simon Evans, représentent des paysages symboliques, telle cette chute d’eau, évoquant évidemment le devenir, les flux de conscience, etc.

©Simon Evans. Courtesy Palais de Tokyo.

L’exposition assez modeste est conçue elle même comme un labyrinthe et est baignée dans une faible lueur aussi douce et chaude qu’une matinée ensoleillée.

Ce manque de contraste général rend la lecture « voyeuriste » de ces fragments de vie très difficile, il faut se rapprocher si près pour discerner les messages toujours partiels ou presque effacés, que les visiteurs donnent l’impression de vouloir tendre l’oreille à un message inaudible.

On est entre le selfie, le journal et une géologie du présent.

C’est à voir au Palais de Tokyo

Du 19 février au 16 mai 2016.


Note : Simon Evans et Sarah Lennan ont été lauréat du Prix Canson en 2014. Ils sont nés respectivement en 1972 et 1984.

©Simon Evans. Courtesy Palais de Tokyo.

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Voir aussi:

• Lee Price; les selfies hyper réels de la junk food.
  
• Enoc Perez
  
• Sarah Lucas
  
  

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  Crédits:

• ©Simon Evans
  
• Courtesy Palais de Tokyo
  

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Anselm Kiefer Osiris et Isis cosmogonie

Anselm Kiefer, images d'une cosmogonie.

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Anselm Kiefer, dans le cadre de la grande rétrospective que le Centre Pompidou lui consacre, nous confronte à de très mystérieuses cosmogonies qui sont à la fois pétries de savoir et d’interrogations très profondes mais aussi pleines d'une présence organique, matérielle qui semble outrepasser le message philosophique en une poésie tellurique de la matière, du sentiment brut face à des questions qui demeuront sans réponse définitive.

Quelques images ici.

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JOHN GIORNO, RONDINONE, Yes we love him

JOHN GIORNO au Palais de Tokyo

Ugo Rondinone parcourt avec ferveur l'œuvre du poète.

John Giorno | YES we love him.

Une "rétrospective" à la scénographie percutante qui va du journal intime géant et immersif, (dans la seconde salle), à l'intimité quasi érotique sous le regard désirant d'Andy Warhol et les poèmes "au téléphone" scandés par d'énormes typographies à la dynamique aussi pétulante qu'une réclame.

John Giorno nous accueille en déclamant tel un crooner existentialiste !

Le parcours fait immanquablement penser au long monologue langoureux de Molly dans Ulysse de James Joyce.

La "Mes tempes si choses" Joycienne !

Les ready made poétiques de John Giorno et l'emprunt Pop Art à la culture "populaire".

La chambre à coucher d'Andy Warhol et l'hyperréalisme filmique.

C'est l'étonnante efficacité de cette rétrospective qui est comme une intrusion consentie et souriante dans l'intimité dionysiaque d'un poète de la "Beat Generation". Epoque qui paraît de nos jours si euphorisante et iconoclaste.

"UGO RONDINONE : I ♥ JOHN GIORNO" est la première rétrospective mondiale sur la vie et l’œuvre du poète américain John Giorno (né en 1936, vit à New York), figure majeure de la scène underground américaine des années 1960. L’exposition est conçue par l’artiste suisse Ugo Rondinone (né en 1964, vit à New York) comme une œuvre à part entière, sous la forme d’une déclaration d’amour.

PALAIS DE TOKYO

UGO RONDINONE : I ♥ JOHN GIORNO

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Ragnar Kjartansson au Palais de Tokyo

Ragnar Kjartansson fait du Palais Tokyo un mausolé de la banalité.

Ragnar Kjartansson a installé au Palais de Tokyo un parcours onirique, mystérieux et plutôt ironique sur la platitude des modes de vie occidentaux.

Une illustration de la fameuse formule de Shakespeare:

"All the world's a stage, And all the men and women merely players; They have their exits and their entrances, And one man in his time plays many parts..." As You Like It, acte II, scène 7.

L'on voit dans ce cheminement qui mime celui d'une vie la recherche de ce qui pourrait magnifier la vie. Mais ici l'obscurité du lieu d'exposition, les espaces vides entre les installations solitaires et les deux acteurs qui déambulent à horaires réguliers pour se rencontrer sur une placette de pacotille scandent plutôt l'isolement, la déréliction, l'absence de transcendance si ce n'est l'espoir banal d'une passion amoureuses.

Passion amoureuses qui se déclinent dans différents tableaux d'un quotidien stéréotypé et asphyxiant. Finalement le plus marquant dans ce parcours est le lieu lui même et la façon dont il est utilisé. Les grands poteaux de béton et le dépouillement des artifices décoratifs font comme un temple funéraire au récit de la banalité des vies et de leurs rêves tous aussi médiocres.

"Sometimes you need to add a little theatre to life and vice versa", Ragnar Kjartansson.

A voir au Palais de Tokyo

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